Une prostituée a été tuée dans un parc romain. La police interroge toutes les personnes présentes dans le parc cette nuit-là. Parmi elles, se trouve l’assassin…
Les Recrues – 1962 – Bernardo Bertolucci
Les Recrues – 1962– Bernardo Bertolucci
Dans le petit matin un jeune homme descend insouciant de la colline pour rejoindre le centre de Rome. Lui et les différents suspects du meurtre d’une femme assassinée de nuit sur son lieu de prostitution le long du Tibre : un petit voleur de sacs à l’arrachée, un maquereau, un jeune soldat calabrais, un serveur de Milan et deux jeunes garçons à la recherche d’argent pour acheter un dîner à leurs petites amies, vont être tour à tour interrogés par un carabinierhors champ.
Les Recrues – 1962– Bernado Bertolucci
Produisant pour chacun d’eux de longs flash-backs, du jour et de la nuit du meurtre sordide, avec le même plan inaugural où la femme prostituée se lève, prend un café et regarde par delà une baie vitrée sous la pluie,avant de partir à la recherche de clients dans un parc près du Tibre.
Les Recrues – 1962– Bernardo Bertolucci
Le réalisateur s’attarde sur les visages, explore les paysages, dans un mouvement sentimental, une poétisation du réel.
Les Recrues – 1962– Bernardo Bertolucci
Les Recrues , premier film de Bernardo Bertolucci, révèle la naissance et le talent d’un grand cinéaste qui a marqué le paysage cinématographique pendant plus de 50 ans.
Sabine Vaillant
Couleur Bulle
Les Recrues (La Commare Secca) – 1962– Bernardo Bertolucci
Italie- 1 h 33 – Noir et blanc
Musique : Carlo Rustichelli, Piero Piccioni
D’après Paolo Pasolini
Sortie nationale version restaurée : 13 février 2019
Les films du Camelia
Avec : Francesco Ruiu (Canticchia), Giancarlo de Rosa (Nino), Vincenzo Ciccora (le maire), Allen Midgette (Teodoro) , Alfredo Leggi (Bostelli), Lorenza Benedetti ( Milly), Carlotta Barilli (Serenella), Gabriella Giorgelli ( Esperia).
BERNARDO BERTOLUCCI (1941 – 2018)
Fils aîné du poète et essayiste Attilio Bertolucci. Sa famille s’installe à Rome. AttilioBertolucci rencontre Pasolini, poète et romancier renommé. Ils deviennent amis.
Bernardo Bertolucci voyage à Paris, fréquente la Cinémathèque de Henri Langlois. Il devient assistant réalisateur dans Accattone, premier long métrage de Pasolini, dont il dira « c’était comme être présent à la naissance du cinéma ».
Les Recrues, dévoilé au festival du film de Venise, est sa première œuvre,adaptée d’une histoire de Pasolini. Ce dernier choisit de se consacrer à Mama Romaetdemande à Bernardo Bertolucci d’en écrire le scénario dont le producteur Antonio Cervi, impressionné par le succès d’Attacone , en avait acquis les droits.
Bertolucci entame le scénario avec Sergio Citi (collaborateur de Pasolini) dont il se voit confier la réalisation par Antonio Cervi, devenant à 21 ans le plus jeune réalisateur de l’histoire du cinéma italien.
La Cinémathèque française tend son écran géant pour les dix films de la reprise de la 26éme sélection des films en compétition au Festival international du film fantastique de Gérardmer. Avec en ouverture, dans la nuit noire parisienne de ce 6 février l’univers de Escape Game – Adam Robitel.
Quatre jours pour plonger dans l’imaginaire le plus débridé et le plus terrifiant du moment. Un rendez-vous à la pointe des mythes, obsessions et codes du fantastique et de l’épouvante du cinéma contemporain.
The Witch : Part 1 The Subversion – 2018 -Hoon-Jung Park
Await Further Instructions – 2018 – Johnny Kevorkian
SYNOPSIS ESCAPE GAME
Escape Game -2019 – Adam Robitel The Witch : Part 1 The Subversion – 2018 -Hoon-Jung Park
Six personnes se retrouvent embarquées dans un escape game plus vrai que nature qui va vite les exposer à la mort. Seule leur intelligence leur permettra de survivre.
Escape Game -2019 – Adam Robitel
Américain, Sud-Africain – 1h39
Sortie nationale : 27 février 2019
Avec : Taylor Russell-McKenzie (Zoey), Logan Miller (Ben), Deborah Ann Woll (Amanda), Jay Ellis (Jason), Tyler Labine (Mike), Nick Dodani (Danny).
Rendez-vous de l’épouvante et du fantastique pour 4 jours intenses dans le noir profond des salles de La Cinémathèque françaisejusqu’au 10 février.
Sabine Vaillant
Couleur Bulle
FESTIVAL GÉRARDMER À PARIS REPRISE DE LA COMPÉTITION DE LA 26 ÈME ÉDITION
Flyer Galerie Mathgoth – Bordallo II Accord de Paris
AprèsEspèces en voie d’Illumination aux Jardins des Plantes, lumière de la conscience sur l’importance de préserver faune et flore, Paris accueille, à La Galerie Mathgoth, la trentaine de sculptures d’animaux d’Artur Bordalo, menacés d’extinction, réalisées à partir de déchets plastiques pour BORDALO II ACCORD DE PARIS.
L’artiste, s’appuyant sur le premier accord universel sur le climat (Cop 21), lance avec ses œuvres un manifeste dénonçant les ravages de notre société de consommation sur la nature et sensibilise la jeune génération à la nécessité de sauver la planète.
C’est ainsi que sur 700 m² de la Galerie Mathgoth, délocalisée pour l’événement, se déploient les univers de ce street artist international, né en 1987 à Lisbonne. Sa signature Bordalo II, « segundo » rend hommage au peintre Artur Real Bordalo, son grand-père, qui l’a initié à la peinture.
Des mises en scènes, à échelle réduite, détaillées, denses, à la couleur sombre qui renforce l’effet matière, capte le regard du spectateur avec des animaux dont des rats émergeant d’un ensemble de matériaux bruts divers accumulés par l’homme. Ils soulignent ainsi les comportements humains dans un effet de miroir, appelant chez le visiteur, pourquoi pas, des images de Ratatouille (petit rat de Disney) ou la série Silex And the City –Jean-Paul Guige et sa vision de notre monde contemporain regardé depuis l’aube de l’humanité.
MIXED TRASH ANIMALS
Cette série au format classique ramène le spectateur sur le terrain deBig Trash Animals, sculptures d’animaux en grand format dans l’espace public : 130 pièces réparties dans 23 pays sur 4 continents, Le Castor, Le Lémurien, La Chouette à Paris.
Bordalo II – Mur de l’ancienne gare Massena
Sur panneau de bois texturé, les animaux tout de plastique, métal et autres assemblés, recouverts de peintures en couches, giclures et coulures, pointant leur statut de déchets valorisés, surgissent de leur milieuétonnants de réalisme, porteurs de caractéristiques évidentes de l’animal aimantant le regard.
Dans cette série Bordaloexpérimente, revisite sa méthode, joue de sa curiosité pour les couleurs, les textures et les formes. Le résultat est bluffant. L’œuvre joue l’unité, donne une image entière de l’animal mais interprète le Half Half : juxtaposant l’image réelle de l’animal et celle des couches successives sous la peau de l’animal, le déconstruisant, portant à la lumière ce qui cause la disparition du lion, de la panthère… questionnant le visible et l’invisible de nos routines consuméristes de ses couleurs vives.
Ultime cheminement de l’artiste. Les matériaux composant chaque animal : zèbre, hibou, crocodile, éléphant… sont laissés dans leur forme bruteexposant nos déchets, notre gaspillage. Le plasticien sculpte, crée, redonne vie à la matière, dans une recherche esthétique allumant la pupille, emportant l’adhésion à la vie sur Terre menacée.
Déposez sur le velours de votre œil l’incroyable bestiaire de Artur Bordalo, né du continent plastique et autres déchets humains revisités par la conscience et l’art de ce plasticien, jusqu’au 2 mars pourBORDALO II ACCORD DE PARIS avec la Galerie Mathgoth.
Artur Bordalo est né en 1987 à Lisbonne, partage sa jeunesse entre son grand-père, aquarelliste passionné et ses études à la Faculté des Beaux-Arts de Lisbonne où il découvre la sculpture. L’espace public devient le lieu idéal pour ses explorations sur la couleur et les dimensions. C’est là qu’il transforme progressivement ses habitudes et canalise ses expériences pour se construire et développer son travail axé sur l’étude de notre société matérialiste et avide. La production excessive ou le consumérisme exagéré, qui aboutissent à la production constante de déchets et par conséquent à la destruction de notre planète, sont les thèmes principaux de sa production artistique. Ce « déchet » devient la matière première, singulière et particulière qu’il utilise dans la construction de ses œuvres qu’il diffuse dans le monde entier tel un manifeste universel.
PRINCIPALES EXPOSITION
2018 : – JustLX Emerging Art Fair, exposition personnelle – Lisbonne – Portugal
– JustMAD Emerging Art Fair, exposition collective – Madrid / Spain
-Trashedy exposition personnelle San Francisco -Etats-Unis
-Volume, exposition collective Galerie Mathgoth – Paris – France
SYNOPSISFAHAVALO – A Madagascar en 1947, les rebelles insurgés contre le système colonial sont appelés fahavalo « ennemis » de la France. Les derniers témoins évoquent leurs longs mois de résistance dans la forêt, armés seulement de sagaies et de talismans.
Les images d’archives inédites filmées dans les années 40 dialoguent avec les scènes de la vie quotidienne dans les villages aujourd’hui. Les récitsdes anciens et la musique hypnotique de Régis Givazo nous transportent dans le passé pour découvrir cette histoire refoulée.
Tableau de l’artiste Fofa Rabearivelo
Fahavalo – 2018 – Marie-Clémence Andriamonta-Paes
Un train à flan de colline, un tunnel. Noir complet … des femmes, des hommes d’aujourd’hui avancent sur la voie en direction de la gare. Un homme âgé, Paul Moravelo « Rapaoly », dans la forêt demande la protection des ancêtres avant que la caméra emprunte les sentiers de sa mémoire et celles de Iamby, Martial Korambelo, Bebe Ny Dadoa, Boto Service, Berthe Rahasiroa, David Andriamizaka. Ces plongées dans leurs souvenirs de la rébellion de 1947 à Madagascar, invitent des images de ce qu’ils ont vécu chez le spectateur, soutenues par celles des archives;
Main de Iamby
« Rapaol » n’avait que 21 ans quand il s’est engagé dans la résistance. Iamby a combattu pendant la bataille de Nosy Varika, l’un des plus longs sièges contre l’administration coloniale. Son fils est né dans la forêt, en pleine bataille. Aujourd’hui ils vivent là où ils s’étaient réfugiés durant l’insurrection. Martial Korambelo a survécu à deux massacres : Ambila et Manakara. Arrêté, il a été emprisonné pendant 8 ans et 9 mois.
Martial Korambelo
Bebe ny Dadoa, « la mamie de Dadoa »
Bebe ny Dadoa, « la mamie de Dadoa », 103 ans en 2015, vit là où se faufile le chemin de fer. Elle raconte la fuite dans la forêt avec le bébé de son frère dont la mère venait de mourir. Ses récits parlent de survie et de responsabilité individuelle.
Le mari de Berthe Aharisoa, dont la famille appartenait au MDRM, a été déporté à la prison de Nosy Lava, avec des centaines de personnes pour rébellion contre les autorités coloniales françaises.
David Andriamizaka, endocrinologue à l’Hôpital Cochin à Paris et professeur de médecine à Antananarivo, oncle de la réalisatrice, revient sur cette douloureuse histoire.
Soldats malgaches
Dans la brousse, les personnes âgées se souviennent du retour à Madagascar en août 1946 des soldats malgaches enrôlés dans l’armée française. Ils s’attendaient à obtenir l’indépendance après avoir combattu le nazisme mais ont été envoyés dans les plantations coloniales de café. La rébellion éclate, se propage le long des chemins de fer, violemment réprimée par les autorités françaises et tue par les journaux de l’époque. Les rebelles résistent dix-huit mois dans la forêt sans armes, juste des sagaies, des talismans.
Sagaie – Madagascar
Fahavalo – En écoutant les témoins, interrogeant la mémoire des plus âgés et les archives, dans le tempo de ses interlocuteurs s’ouvre le champ de la parole, sans haine.Marie-Clémence Andriamonta-Paes transmet ce qui s’est passé à Madagascar en 1947. Son documentaire avec Madagascar d’hier et d’aujourd’hui, ses habitants, sa nature, sa musicalité, sa beauté, sans remplacer les historiens, saisit la tragédie, laisse parler les cicatrices, porte haut les voix de ceux qui l’ont vécue pour qu’affleure chez le spectateur la curiosité de savoir.
Fahavalo Un documentaire profondément humain à la recherche de la mémoire des derniers survivants d’une insurrection noyée dans le sang, sur une musique superbe, prégnante, de Régis Gizavo. A voir absolument.
Tableau de l’artiste Fofa Rabearivelo
Fahavalo– 2018 – Marie-Clémence Andriamonta-Paes
France/Madagascar – 90 min
Langues originales : Malgache, Français
Image : Cesar Paes
Musique : Régis Gizavo
LATERIT PRODUCTIONS (France,Madagascar), Cobra films (Belgique), Silvao Producoes (Cap-Vert)
Post production : Agnès Contensou
Productrice associée : Viviane Dahan
Sortie nationale : 30 janvier 2019
MARIE-CLEMENCE ANDRIAMONTA-PAES
Réalisatrice, née d’une mère malgache et d’un père français, grandit à Madagascar, étudie la sociologie à Nanterre, le marketing au CELSA-Sorbonne. Elle crée en 1988 Laterit Productions avec Cesar Paes, société de production, de distribution et d‘édition indépendante, qui vise à partager les cultures de Madagascar, du Brésil, d’Afrique et des îles.
FILMOGRAPHIE
2018 : Fahavalo – 1er film réalisé en solo
2017 : Songs for Madagascar
2012 : L’Opéra du bout du monde
2005 : Mahaleo
2001 : Saudade do Futuro
1996 : Le Bouillon d’Awara
1992 : Aux guerriers du silence
1989 : Angano, Angano… Nouvelles de Madagascar
CHRONOLOGIE
Premiers siècles de l’ère chrétienne : peuplement de Madagascar par des migrants venus de Malaisie-Polynésie et d’Afrique
1787 : début de l’unification de l’île par Andrianampoinimerina, roi des Merina
1895 : invasion de Madagascar par la France. Devient une colonie française l’année suivante.
Première et Seconde Guerre mondiales : des milliers de Malgaches sont enrôlés dans l’armée française pour défendre la Mère Patrie
Octobre 1945 : élection de deux députés malgaches à l’Assemblée constituante française par le collège des non-créoles.
1946 : création du MDRM (Mouvement Démocratique de la Rénovation Malgache)
29 mars 1947 : début de l’insurrection malgache et de la répression militaire
1960 : indépendance de Madagascar
1972 : révolution et renversement du régime néo-colonial
SYNOPSIS SKATE KITCHEN A New York, la vie de Camille, une adolescente solitaire et introvertie, va radicalement changer en intégrant un groupe de jeunes filles skateuses appelé Skate Kitchen.
Cette bande éprise de liberté et la rencontre avec un jeune skateur énigmatique vont l’éloigner de sa mère avec qui elle s’entend de moins en moins.
Skate kitchen– 2018 – Crystal Moselle
Skate kitchen– 2018 – Crystal Moselle
Camillese blesse en skatant. Sa mère lui fait promettre d’arrêter le skate. Camille suit sur les réseaux sociaux un groupe de skateuses à New York dans le Lower East Side.
Le besoin de glisse est trop fort, elle décide d’y aller et quitte Long Island le temps d’une après-midi, puis de plus en plus souvent. Elle découvre les filles, la vie en bande : ses codes, son langage, leur façon de s’approprier le skate park où les garçons occupent lourdement l’espace. Après un clash avec sa mère, Camille trouve sa place dans le groupe, expérimente, roule librement, grandit, s’ouvre.
Jaden Smith (Devon) – Rachelle Vinberg (Camille) -Skate kitchen– 2018
– Crystal Moselle
Skate kitchen L’Univers du skate féminin, avec un vrai collectif de skateur rencontré par Crystal Moselle, au plus près de Camille, avec de superbes séquences sur New York.
Skate kitchen– 2018 – Crystal Moselle
Skate Kitchen – 2018 – Crystal Moselle
USA 105 min
Scénario Aslihan Unaldi, Crystal Moselle, Jennifer Silverman
Makadam Distribution
Sortie nationale : 30 janvier 2018
Avec : Rachelle Vinberg (Camille), Dede Lovelace (Janay), Nina Moran (Kurt), Ajani Russel (Indigo), Kabrina Adams (Ruby), Jules Lorenzo (Eliza), Brenn Lorenzo (Quinn), Jaden Smith (Devon), Elisabeth Rodriguez (Renata), Alexander Cooper (Charlie), Juan Nisvis (Juan)
CRYSTAL MOSELLE
Crystal Moselle vit à New York, a réalisé The Wolfpack documentaire Prix du Grand Prix du Jury au Festival de Sundance, productrice de Excavating Taylor Mead, documentaire. Auteur de nouvelles publiées dans Vice et le New York Times où elle a créé la série Something Big, Something Small. Co-auteur avec Pharrell de la série Meet The Bae’s, écrit pour le site Nowness où elle a créé la vidéo Shapeshiftingsur des danseuses de 14 ans. Elle a réalisé Our dream of Water pour National Geographic, une série documentaire sur les femmes se battant contre le manque d’eau en Haïti, au Pérou et au Kenya.
SYNOPSIS ULYSSE & MONA Il y a quelques années, Ulysse a mis un terme à sa carrière d’artiste contemporain. Aujourd’hui, il habite seul avec son chien Joseph dans un vieux manoir au milieu de la forêt. Mona a vingt ans et est étudiante aux Beaux-arts. Un jour, Mona décide de partir à la rencontre d’Ulysse.
Il était une foisUlysse, un artiste qui avait renoncé à créer et vivait retranché dans son manoir au milieu de la forêt avec son chien, loin du monde, jouant au tennis, n’acceptant que la compagnie d’Arthur, un enfant miroir de lui-même.
Une belle princesse, Mona artiste en formation, visionnant les adieux d’Ulysse, reçoit le regard d’Ulysse comme un appel. Elle abandonne tout pour le rencontrer. Ulysse repousse d’abord Mona mais finit par l’embarquer dans son voyage intime à la rencontre de l’autre.
Un film où les personnages d’Ulysse et Mona entrent en résonance avec les personnalités des acteurs Eric Cantona et Manal Issa. Avec Mana Issa superbe dans la scène de l’auberge.
Ulysse &Mona – 2018 – Sébastien Betbeder
France – 1 h 22
Envie de tempêtes Productions
Sophie Dulac Distribution
Sortie nationale : 30 janvier 2018
Avec : Manal Issa (Mona), Eric Cantona (Ulysse), Mathis Romani (Arthur), Quentin Dolmaire (Camille), Marie Vialle (Alice), Joël Cantona (frère d’Ulysse), Jean-Luc Vincent (Boris), Nicolas Avinée (Nicolas, fils d’Ulysse), Jonathan Capdevielle (le braqueur), Jean-Charles Clichet (compagnon d’Ali), Sofian Khammes ( caissier), Jonathan Couziné (médecin), Micha Lescot (capitaine de gendarmerie).
SEBASTIEN BETBEDER
Réalisateur et scénariste français né en 1975, étudie aux Beaux-arts de Bordeaux, intègre le Fresnoy. Il écrit aussi des fictions radiophoniques pour France Culture, réalise des clips et des cartes blanches pour Blow up (Arte). Il a aussi participé à plusieurs ouvrages collectifs, dont La Nouvelle comédie du cinéma français, ou la revue Réplique (08).
FILMOGRAPHIE
2018 : Ulysse &Mona
2016 : Le voyage au Groenland
2016 : Marie et les naufragés
2014 : Inupilik – Prix Jean Vigo du court-métrage
2013 : 2 Automnes 3 hivers
2012 : Les Nuits avec Théodore – ACID au Festival de Cannes – Prix spécial du jury au Festival de Turin
Plongée dans le cinéma japonais de la fin des années 1940 jusqu’aux années 2000, en une trentaine de films rares inattendus, voire totalement inconnus du public français actuel et passé. L’immense production japonaise à portée de pupille à La Cinémathèque française pour saluer 100 ans de cinéma japonais et la cinéphilie française qui l’accompagne depuis un siècle. Avec La Vie d’une femme de Yasuzo Masumura en ouverture de Rétrospective 100 ans de cinéma japonais (2 éme partie) dans le cadre de Japonismes 2018.
Quelques films à découvrir
Les Enfants de la Ruche -1948 – Hiroshi Shimizu
Kiku et Isamu– 1959 –Tadashi Imai
La Femme de là-bas– 1962- Hideo Suzuki
その場所に女ありて [SONO BASHO NI ONNA ARITE]
Matango -1964 – Ishiro Honda
L’Histoire du village Magino : le cadran solaire à unité 1000 ans – 1987 – ShinsukeOgawa
Pistol Opera– 2001- Seijun Suzuki
Synopsis La Vie d’une femme – Yasuzo Masumura
L’histoire sur 40 ans, de la vie d’une jeune orpheline, chassée par son oncle et sa tante, et mariée au fils aîné d’un riche industriel, à l’heure où le Japon entre dans l’âge moderne après sa victoire militaire sur la Russie.
La Vie d’une femme (Onna No Issho) – 1962 – Yasuzo Masumura (•)
Japon – 84 min
D’après une pièce de Kaoru Morimoto
La Vie d’une femme (Onna No Issho) – 1962 – Yasuzo Masumura
Kei, orpheline est jetée à la rue par sa tante et son oncle qui l’avaient recueillie comme domestique. Errante, elle s’introduit dans la demeure d’une riche famille. Grâce à Shintaro, l’un des fils, elle est adoptée par la famille. Par devoir envers la matriarche, elle accepte le mariage avec Eiji, le fils aîné, et la direction de l’usine familiale. Elle donne naissance à une fille : Chie, dont elle n’a pas le temps de s’occuper qui s’éloigne d’elle, son couple tangue. Le temps passe et la vie aussi rythmée par les coupures de journaux, témoins de l’avancement de la guerre avec la Chine, les tenues vestimentaires, les signes du vieillissement des corps.
Kei tisse sa vie sur le canevas du renoncement à l’amour, à une famille, l’aliénation à l’entreprise, passant et repassant le fil du devoir, empesé par l’idée d’agir pour le bien de sa fille, son mari, la famille, l’entreprise. La solitude submerge sa vie quand arrive la seconde guerre mondiale et qu’elle voit s’écrouler ce pourquoi elle avait renoncé à l’amour, à sa vie dans le huis clos de la maison familiale et des bureaux de l’usine.
Découvrez l’histoire insolite du cinéma japonais, sa stupéfiante fertilité et les surprises qu’il recèle, à la Cinémathèque française jusqu’au 17 février.
Sans oublier,last but not least, en février à la Maison de la culture du Japon et à La Cinémathèque française37 films de réalisateurs contemporainsrécents de grands noms ou jeunes réalisateurs.
Sabine Vaillant
Couleur Bulle
(•) YASUZO MASUMURA
Créateur majeur du cinéma japonais (1924 -1986), réalisateur de 55 films la plupart tournés au studio Daiei. Il commence des études de droit, devient assistant-réalisateur à la Daiei, se tourne vers la philosophie, soutien une thèse sur Kierkegaard. En 1950, il obtient une bourse du gouvernement italien pour faire des études au Centro sperimentale di cinematografia de Rome. A son retour devient d’abord assistant-réalisateur de Kenji Mizoguchi et Kon Ichikawa.
Agnès Varda, accompagnée de Sandrine Bonnaire, a déclenché une vague puissante d’applaudissements, réchauffant l’hiver parisien et donnant le « La » de sa Rétrospective à la Cinémathèque française. Après Sans toit, ni Loi, la déferlante a résonné longtemps dans la salle Henri Langlois ovationnant cette grande exploratrice des confinsdu cinéma, de la société et de l’artet Sandrine Bonnaire transcendante Mona.
Agnès Varda – Cinémathèque française – 16 janvier 2019
Réalisatrice de la Nouvelle Vague, née en Belgique, Agnès Varda vit son adolescence à Sète, étudie la photographie aux Beaux-Arts et l’histoire de l’Art à l’École du Louvre.
L’audace de la mise en scène de La Pointe courte –1954 son premier film interpelle, tout comme la liberté et le style de Cléo de 5 à 7 –1962.
La Pointe courte –1954 – Agnès Varda
Cléo de 5 à 7 –1962 – Agnès Varda
L’œuvre protéiforme d’Agnès Varda nourrie de liberté va se déployer portée par sa curiosité des gens, des questions sociétales, des idées, des lieux : Sète, Paris, la Californie, un féminisme joyeux, et l’exploration de ses archipels cinéma.
Black Panters -1969 l’énergie révolutionnaire d’une minorité opprimée,
Black Panters -1969 – Agnès Varda
Lions Loves –1969 la tentative de réinvention du couple et du rapport au travail,
Lions Love –1969 – Agnès Varda
Daguerréotypes –1975,
Daguerréotypes –1975 – Agnès Varda
L’Une chante, l’autre pas -1976 film féministe et optimiste : chronique d’une amitié entre deux femmes sur une vingtaine d’années passant en revue le couple, la famille, l’avortement alors illégal, le planning familial,
L’Une chante, l’autre pas -1976 – Agnès Varda
Mur murs –1980 la façon nouvelle dont la créativité plastique s’imprimait à même les murs des ville,
Mur murs –1980 – Agnès Varda
Documenteur –1980 film inspiré de sa vie à Venice,
Sans toit ni loi –1985 sublime portrait en creux d’une jeune fille parcourant le Sud de la France, retrouvée morte de froid dans un fossé,
Sans toit ni loi –1985 – Sandrine Bonnaire (Mona) – Agnès Varda
Jacquot de Nantes – 1990, Les Demoiselles ont eu 25 ans– 1992, L’Univers de Jacques Demy – 1995 documentaire sur son travail : 3 films en hommage à Jacques Demy, époux d’Agnès Varda, mort en 1990,
Jacquot de Nantes – 1990 – Agnès Varda
Les Cent et une nuits – 1994, Les Glaneurs et la glaneuse –1999 filmé avec une caméra numérique,
Les Cent et une nuits – 1994 – Agnès Varda
Les Glaneurs et la glaneuse – 1999 – Agnès Varda
Les Plages d’Agnès –2006 où Agnès Varda revient sur son travail,
Les Plages d’Agnès –2006
L’Île et Elle – 2006 exposition à La fondation Cartier,
Visages, Villages – 2016.
Visages, Villages – 2016 – Agnès Varda
Rendez-vous à la Cinémathèque française jusqu’au 28 janvier 2019 avec Agnès Varda, cinéaste indépendante, productrice, photographe, plasticienne, féministe, seule femme de la Nouvelle Vague (section Rive Gauche).
Agnès Varda, le cinéma avec audace, fantaisie, ludisme,souci de ne jamais en imposer, dans une recherche plastique, une quête esthétique, une préoccupation d’invention formelle et de liberté.
Deux salles n’ont pas suffi pour accueillir tous les fans d’Eric Rohmer à l’occasion de la rétrospective que lance La Cinémathèque sous les lumières de 2019 naissante, avec Les Nuits de la pleine lune. Lecinéma de cette figure de La Nouvelle Vague porte les rencontres amoureuses et la séduction, les dialogues, et une économie de moyens et d’invention indispensables à l’idée d’auteur.
Eric Rohmer (1920 – 2010) né Maurice Schérer, étudie la littérature, auteur d’Élisabeth 1946 (*) , débute comme critique rejoignant les Cahiers du cinémaau commencement des années 1950 dont il devient rédacteur en chef 1957-1963. Il tourne ses premiers courts-métrages au cours des années 1950, Le Signe du Lion 1959 son premier long métrage est un échec.
Le Signe du Lion – 1959 Eric Rohmer
Il réalise des films pédagogiques 1963 pour la télévision scolaire, tout en se lançant dans le tournage des sixContes moraux. Il crée avec Barbet SchroederLes Films du Losange, sa société de production.La Collectionneuse 1966puis avec Ma nuit chez Maud1969 (* *) ,Le Genou de Claire1970 et L’Amour l’après-midi1972 arrivent la notoriété.
La Collectionneuse1966 – Eric Rohmer
Le Genou de Claire1970 – Eric Rohmer
La Marquise d’O… 1975, Perceval Le Gallois1978
La Marquise d’O… 1975 – Eric Rohmer
Perceval Le Gallois 1978 – Eric Rohmer
avant d’enclencher les six films du cycle Comédies et proverbes avec de nouvelles héroïnes dont Les Nuits de pleine lune 1984, Pauline à la plage1982, Le Rayon vert 1985. Puis dans les années 1990 le cycle des Contes des quatre saisons et L’Arbre, le Maire et la Médiathèque 1993
Pauline à la plage 1982 – Eric Rohmer
Enfin, L’Anglaise et le Duc 2001, Triple agent 2003, Les Amours d’Astrée et de Céladon 2006.
Les Amours d’Astrée et de Céladon 2006 – Eric Rohmer
-SYNOPSIS Les Nuits de pleine lune
Les Nuits de pleine lune 1984 – Eric Rohmer
Louise parvient à convaincre Rémi, son petit ami architecte qui vit en banlieue de conserver son appartement pour passer de temps en temps la nuit à Paris.
-Les Nuits de pleine lune –1984 – Eric Rohmer
Sous le gris du ciel, un RER s’étire dans le morne paysage. Une gare de banlieue, des petits immeubles de béton, un homme pénètre dans l’un d’eux, gravit les marches et entre dans son duplex. Il est rejoint par Louise à la voix singulière, sa compagne, stagiaire décoratrice à Paris. Ils discutent de leur week-end, des cours de tennis du samedi matin de Rémi. Elle projette d’aller à une soirée en rentrant du boulot, sachant que Rémi n’apprécie pas les sorties, lui est sportif. Louise pas fan de banlieue, amène le sujet de son studio parisien et le besoin d’y passer du temps seule, ce qui ne va pas de soi pour Rémi. Aucun d’eux ne doute d’avoir trouvé l’amour parfait.Le choix de Louise s’impose. Elle vit sa vie à Paris retrouvant Octave, ami et confident volubile du vendredi soir. Lors d’une soirée, Louise rencontre Bastien, avec qui elle se prend au jeu de la séduction…
Les Nuits de la pleine lune, quatrième et très beau film des Comédies et proverbes, Eric Rohmer saisit les allers-retours émotionnels de Louise reliés à ses territoires, plongeant le spectateur dans son rapport à l’amour.
Sans hésiter programmez-vous en mode Rohmer à La Cinémathèque françaisejusqu’au 11 février, avec ses : vingt-trois longs-métrages, courts-métrages, dialogues, acteurs qui ne semblent pas être dirigés, plans composés comme des tableaux.
JOURNÉE D’ÉTUDES « ERIC ROHMER DISCOURS DE LA MÉTHODE« 19 Janvier 2019 – 15 h-18h Salle FRANJU
Entretien avec Eric Rohmer- 2004
CONTE D’ÉTÉ LUNDI 21 JANVIER 2019, SALLE GEORGES FRANJU, 19 H PRÉSENTÉ PAR AMANDA LANGLET
Conte d’Été 1995 – Eric Rohmer
DIALOGUES
– Le Rayon vert Eric Rohmer+ Dialogue avec Marie Rivière : samedi 2 février 20 h
-L’Arbre, le Maire et la Médiathèque Eric Rohmer avecFabrice Luchini : jeudi 7 février19 h 30
L’Arbre, le Maire et la Médiathèque 1993 – Eric Rohmer
Pascale Ogier, Ma Soeurd’Émeraude Nicolas
Filigranes Edition
Novembre 2018
Arte – Programmation spéciale Éric Rohmer sur Arte avec Pauline à la plage, Conte d’été et, dans le magazine Court-circuit, La Boulangère de Monceau et La Carrière de Suzanne.
Tous les films en replay pendant 7 jours sur arte.tv 2 et 4 février (sous réserve)
COFFRET ÉRIC ROHMER, L’INTÉGRALE
Tous les films d’Éric Rohmer disponibles dans une intégrale DVD+Blu-ray et en coffrets thématiques chez Potemkine Films.
Alors que le froid accompagnait la longue descente vers la nuit noire de l’hiver, ce 14 décembre dernier, L’Oratorio Di Petre Cutrate en quatre actes de Jean-Philippe Baldassarinaissait magnifiquement au public sous les voûtes de l’Église Saint-Louis de Vincennes.
Coupole saint-Louis de Vincennes – Suzanne Dené
Finalisé en 2007, après plus de trois années de créations et d’enregistrements en studio, L’Oratorio, allégorie dramatique, convoque les forces telluriques du territoire magique Petre Cutrate, la beauté sauvage, l’imaginaire puissant des mythes fondateurs, « l’anima corsa » et les traditions méditerranéennes. L’art et l’humain s’y croisent et s’y confrontent.
J-Ph Baldassari a imaginé ce drame à la fois sacré et profane en forme de méditation sur le destin de l’homme, lié à sa terre de naissance depuis l’origine jusqu’au départ du monde des vivants. Il donne vie au mystère de « l’anima corsa » dans les interactions de l’orchestre et du chœur, l’électro-acoustique, les voix, la scénographie, la vidéo, les récitatifs lyriques, le chœur antique, le ténor lyrique soliste « alla corsa »…
Première de L’ORATORIO DI PETRE CUTRATE – J-PH BALDASSARI – Suzanne Dené
14 décembre 2018
C’est à Stéphane Dietrich que revient l’écriture orchestrale après la conception studio.
J-PH Baldassari transporte le spectateur au cœur du domaine de PETRE CUTRATE pour qu’entre en résonance la musique, le chant, les images , avec le récit, laissant libre l’imaginaire de s’en saisir, d’y voyager et affleurer les émotions.
Petre Di Cutrate (‘pierres pétri-fiées de magie’) – Jean-Philippe Baldassari
« PETRE CUTRATE est un territoire magique où le PRINCIPELLU – le prince – est retenu captif. Il y est tout à la fois élevé et étouffé par les TRE SURELLE – les 3 Parques. En fait, le domaine de Petre Cutrate est constitué de ronces épaisses, tressées par les Parques qui protègentjalousement leur enfant devenu homme de toutes les formes d’impureté pouvant provenir de l’extérieur.
Petre Cutrate est de fait un monde clos, comme le « ventre épineux » de la naissance, d’où nul ne semble pouvoir s’extraire mais où se cache, dit-on, un trésor fabuleux. Le prince, lui, est un être très faible, et, de surcroît, aveugle. Être de pensée, de lumière et d’amour, il erre entre des illusions, rêvant de rencontrer « l’autre », celui qui est au-delà de « son » obscurité, au-delà de la nuit. Or, au-delà de Petre Cutrate, à l’extérieur,les Capitani et Suldaticomplotent et se laissent submerger par les rumeurs. Ils se préparent à prendre d’assaut Petre Cutrate où, dit-on, ne règnent que la mort et les maléfices. Là d’où semble venir la peste qui emporte toute vie sur son passage. Petre Cutrate est alors l’image de « l’autre » dans sa malédiction, de l’ennemi porteur de malheur et de mort d’où rien de bon ne semble pouvoir sortir.
Le pauvre prince, lui, prisonnier de ses chimères, ne sait pas que sans la protection des Parques, le monde extérieur l’aurait depuis longtemps happé envahi et détruit. Ainsi, entre regards intérieurs et extérieurs,Petre Cutrate est l’objet d’un combat cosmique. En ce monde, à l’aune des peurs de l’autre, des ignorances et des différences, le chemin réconciliateur de la confiance et de la reconnaissance paraît bien étroit ».
Première de L’Oratorio Di Petre Cutrate – J-Ph Baldassari – 14 décembre 2018 – Suzanne Dené
Avec talent le compositeur, pour cette première, a convoqué sur scène toute l’énergie créatrice, les forces du monde, la Corse, les passions, le beau, mains dans la main avec les muses et les artistes offrant 1 h 30 d’un moment rare de création pure. Superbe !
Depuis les années 70, sa trajectoire est riche d’un grand nombre de rencontres et de créations. Au-delà de collaborations régulières à de nombreux projets en tant que pianiste ou chanteur, on le retrouve à la composition musicale dans le cadre de documentaires, de films et de productions théâtrales. Ouvert sur les héritages traditionnels (racines corses, world music, répertoires symphoniques…) autant que sur les démarches les plus avant-gardistes (pop, électro-acoustique, expérimentations variées…), Jean-Philippe inscrit sa démarche au sein de multiples partenariats culturels. Ainsi, au fil des décennies, chansons, illustrations sonores, créations scéniques se conjuguent. Apparaît alors l’œuvre d’un rassembleur d’esthétiques, capable de mettre en synergie des mondes sonores, visuels et sensoriels très hétérogènes. Il est fait Chevalier de l’Ordre National du Mérite puis officier des Palmes Académiques et reçoit la médaille nationale d ‘or des Arts Sciences et Lettres. De 2007 à 2010, il compose l’Oratoriu di Petre Cutrate, (oratorio des ‘pierres pétri-fiées de magie’) vaste fresque électroacoustique en langue corse et latine à partir de laquelle il propose à Stéphane Dietrich d’imaginer une version orchestrale plus strictement acoustique.
Stéphane Dietrich
Orchestrateur
A la fin des années 1990, Stéphane Dietrich fréquente les classes de piano et d’écriture musicale à Nancy. Après obtention de l’agrégation de musique, les rencontres et les expériences musicales se multiplient. Elles contribuent à enraciner une trajectoire de compositeur et arrangeur qui frappe par son éclectisme : opéras, pièces pour orchestre, concertos, motets, album de chansons, arrangements variés… En équilibre entre traditions et innovations, se révèle un univers où une plume rigoureuse demeure au service d’une vision résolument poétique. Depuis 2001, ses œuvres ont parfois fait l’objet de commandes, de créations et d’enregistrements.
Stonatrilla
Fondé en 2001, le chœur de chambre Stonatrilla a exploré des répertoires multiples : musiques française (Charpentier notamment), italienne (Monteverdi, Gesualdo), allemande (Membra Jesu Nostri de Buxtehude, cantates de Bach) et anglaise. Avec l’ensemble orchestral Stringendo, puis depuis 2012, sous le direction de Jean Thorel, et de Pierre Fassy, l’ensemble vocal a collaboré à des concerts très éclectiques, alliant des œuvres du répertoire classique (Mozart, Brahms, Mendelssohn, Liszt, Franck) et des performances plus contemporaines.
Hugues Baudoin
Scénographe
À 19 ans, Hugues s’installe à Paris et exerce le métier de comédien pendant plusieurs années. Il suit une formation de comédien, danseur, chorégraphe de « combat » à l’École Supérieur de Théâtre de 1990 à 1994. Durant ces années 90, il partira à la rencontre de comédiens et metteurs en scène sur une terre en conflit : Israël/Palestine. Il travaille alors à une première réalisation documentaire. Plus tard il se fait animateur d’ateliers dans les écoles et les bibliothèques scolaires tout en dispensant des cours de théâtre, en montant des carnavals, des évènements et adaptations de pièces d’auteur. Il travaille et signe tout récemment une réalisation sur le cinéaste français Jean-Pierre Mocky.
Yves Strauss
Vidéaste
Professeur d’audiovisuel, il cofonde les sections spécialisées de cinéma de la cité scolaire Hector Berlioz à Vincennes, pépinière de talents à l’écran comme à la réalisation. Entre 1990 et 2016, il réalise documentaires et reportages.
Taos MESBAHI
Danseuse & Chorégraphe
Actuellement danseuse professionnelle et professeure de danse contemporaine et modern jazz, Taos est formée au conservatoire pendant 12 ans avant d’intégrer l’école Choreia ou elle devient diplômée d’État. Elle entre ensuite chez ACTS, école de danse contemporaine de Paris grâce a laquelle elle effectue plusieurs stages en compagnie professionelle, en France et a l’étranger (Wim Vandekeybus, Ambra Senatore, Claude Brumachon.. ). Sur scène, elle se produit en création pour divers événements et compagnies, notamment pour les chorégraphes Julie Sicard (qu’elle assiste depuis 2014) ou Félix Landerer en Allemagne). La danse de Taos s’inscrit dans une gestuelle terrienne, fluide et puissante
Les Recrues – 1962– Bernardo Bertolucci
